„Natürlich, es ist ein wenig lustig, mit Mitte 30 das Raven anzufangen …“, erzählt der aus Italien kommende und mittlerweile in Leipzig lebende Damian Dalla Torre in unserem Interview. Im gemeinsamen Gespräch nimmt uns der Musiker, Produzent und Komponist, dessen jüngstes Soloalbum „I Can Feel My Dreams“ vom The Guardian zum Besten der gegenwärtigen Musik 2024 gekürt wurde, mit auf eine Entdeckungsreise in seine Klangwelten.

Damian Dalla Torre versteht sich auf schwelgerische, vereinnahmende Klangexperimente. Dabei verdichtet der studierte und mit allerlei Preisen ausgezeichnete Multiinstrumentalist analoge wie auch elektronische Musik, Fieldrecordings, spielt mit Kompositionen und Improvisationen. Immer wieder schaut er über Genregrenzen hinweg und überlässt so den Hörer:innen weite Klangräume, zu deren Entstehung wir von Damian gerne mehr erfahren wollten.

Das Interview mit ihm wurde von uns bereits im März dieses Jahres geführt. Die Japan-Tour ist durch, der Sommer vorbei. Dennoch wollten wir den Text in unverfälschter Form veröffentlichen. Einen aktuellen Termin gibt es aber: Damian spielt auf den diesjährigen Jazztagen in Leipzig – und wir empfehlen ausdrücklich sein gemeinsames Konzert mit den Musikerinnen Delphine Joussein und Laura Zöschg. Und er ist Teil des Lüften-Projektes, das wir kürzlich in unserem New In Radio mit ihrem Debüt-Album ausführlich vorgestellt haben.

Als Soundtrack beim Lesen legen wir euch „I Can Feel My Dreams“ wärmstens ans Herz – schon im letzten Jahr haben wir es sehr überschwänglich vorgestellt. Oder seinen Ambient-Mix, den er exklusiv für frohfroh aufgenommen hat.

Für alle, die Damian Dalla Torre noch nicht kennen, wer bist du und was machst du?

Ich bin Damian. Ich bin Musiker und definiere mich hauptsächlich als Saxofonist. Ich habe das Instrument studiert und viel Zeit damit verbracht, sehe mich mittlerweile aber auch als Multiinstrumentalist mit Klarinette und Flöte. Am liebsten bin ich allerdings im Studio und arbeite dort an Recording und Produktion.

Das heißt, du hast Flöte und Klarinette ebenfalls studiert oder ist das Instrument einfach ähnlich wie Saxofon?

Ich habe nur Saxofon als Instrument studiert. Aber wenn man als Jazz-Saxofonist in Big Bands spielt, ist es üblich, dass man noch ein weiteres Instrument als „Doubling-Instrument“ beherrscht. Beim Tenor-Saxofon ist das eher die Bass-Klarinette. Und die fand ich vom Sound her immer schon mega spannend. Ich mag den Klang des Saxofons gar nicht so sehr (lacht). Es war mir immer ein Anliegen einen Sound zu finden beim Saxofon, der mir gefällt – und der ist nunmal ein wenig dunkler. Also habe ich einem Mundstückbauer namens Georg Pfister aus Berlin ausfindig gemacht, der mir ein Mundstück aus Holz für mein Saxofon bauen konnte. Das Instrument klingt nun dunkler. Bei der Klarinette hat man das automatisch, denn das ganze Instrument ist aus Holz.

Wirst du neben deiner Solo-Tätigkeit also auch als Livemusiker in Bands und als Sessionmusiker im Studio gebucht?

Ja. Kurz vor Covid war ich noch viel mit einem Jazzquartett aus Frankfurt unterwegs. Mit denen habe ich straighten Jazz gespielt und wir sind gemeinsam durch die Jazz-Clubs getourt. Mit Covid gab es einen Bruch für mich, weil ich hier viel Zeit hatte zu überlegen. Das war auch die Zeit, in der ich entschieden habe, dass ich jetzt mal meinen Sound machen will. Seit dem sehe ich die Genugtuung beim Musik machen eher in dieser Richtung. Andererseits mache ich auch viel als Studiomusiker im Bereich Pop und bin zudem gerade viel mit Theatermusik beschäftigt. Also im Moment ist es leider weniger Jazz, aber ich finde es wichtig seinen Interessen nachzugehen,. Denn nur so fühlt es sich für mich „real“ an. Was ich übrigens toll finde an den Pop-Acts, mit denen ich spiele: Ich kann auch immer meinen Kram machen. Ich kann meine Effekt-Pedale mitbringen und werde mittlerweile auch explizit gefragt, meinen Style zu fahren.

Was hat dich eigentlich nach Leipzig verschlagen?

Ich habe in Wien Saxofon studiert und bin dann nach Leipzig für meinen Master gekommen. Ursprünglich bin ich allerdings gar nicht für den Master nach Leipzig gekommen, sondern für ein halbjähriges Erasmus-Studium. Ich kam vor allem wegen des Professors Johannes Enders, der einerseits straighten und traditionellen Jazz unterrichtet, mit seinem Projekt Enders Room allerdings eine ganze andere Schiene in Richtung elektronische Musik fährt. Das war für mich eine krasse Inspiration und hat mir auch als Vorbild gedient. Als das halbe Jahr Erasmus dann durch war, hat er mich ermutigt weiter zu machen und in Leipzig zu bleiben. Also habe ich hier meinen Master gemacht und bin dann in Leipzig hängen geblieben.

Lass uns über das erste Damian-Dalla-Torre-Soloalbum reden. Du hattest bereits Covid erwähnt. Das war auch die Zeit in der „Happy Floating“ entstand und fertig gestellt wurde, oder?

Genau! Ein paar Skizzen hatte ich schon 2019 fertig gestellt. 2020 hatte ich dann ein sehr tolles Erlebnis mit der Band Efterklang, mit denen ich in Leipzig einen Gig gespielt hatte und die mich im Anschluss noch für ein paar Auftritte mit auf Tour genommen hatten.

Wie kam es dazu?

Bei ihrer damaligen Tour haben Efterklang in jeder Stadt nach Gastmusiker:innen gesucht. Über ein paar Ecken habe ich dann eine Mail bekommen und hatte Bock. Ich wollte zu der Zeit gerne ein bisschen was anderes probieren und nicht nur in kleinen Jazz-Clubs spielen. Ich bin dann zum Soundcheck und wir haben die Songs gejammt. Das hat dann sofort gepasst und die meinten gleich: „Was machst du nächste Woche?“ Ich bin dann heim, habe meinen Koffer gepackt und anschließend in den Nightliner gestiegen (lacht).

Cool, dass du verfügbar warst. Wann war das genau?

Im Februar 2020. Also kurz vor dem Shut-Down. Die Tour wurde dann leider auch abgebrochen. Der Vibe in der Band war allerdings so gut und ich habe aus den Auftritten so viel mitgenommen, dass ich erstmal nach Hause bin und auch probiert habe, Musik in diesem Style zu machen.

Das heißt, deine erste Platte ist auch von der Musik von Efterklang beeinflusst?

Auf jeden Fall von dem Vibe und den Leuten. Das hat mich auf eine Weise motiviert. Es war die Zeit da, ich war gerade umgezogen und hatte Platz für ein Home-Studio. Ich hatte die Möglichkeit zu Hause zu arbeiten und war mega fleißig. Ich habe jeden Tag ca. acht Stunden geschraubt und habe zunächst ohne Ziel nur für mich gearbeitet. Irgendwann hatte ich einen Song fertig, mit dem ich mega happy war – das Stück „7.23“. Ich hatte noch im Kopf, dass Martin Brugger von Squama Records (Experimentelles Label aus München für Jazz, Ambient und New Age – Anm. der Redaktion) mal angefragt hatte bei einem anderen Projekt, ob wir Lust hätten auf dem Label zu veröffentlichen. Also habe ich ihm initiativ die Single zugeschickt. Martin schrieb dann, dass er es cool findet, Squama aber nur Alben veröffentliche. Also habe ich mich an das Album gemacht (lacht). Und ein halbes Jahr später habe ich ihm das geschickt und gesagt, hier wäre jetzt das Album.

Also war diese Tatsache für dich die Motivation, noch mehr Musik zu produzieren?

Manchmal braucht es nur einen kleinen Impuls von außen, um sich zu motivieren.

Wie lief das mit der Produktion während des Shut-Downs? Es sind ja sehr viele Gastmusiker:innen auf dem Album vertreten.

Das war auf jeden Fall ein Weg, um mit Mitmusiker:innen in Kontakt zu bleiben. Irgendwie waren eh alle zu Hause und die meisten hatten auch die Möglichkeit zu Hause aufzunehmen. Ich hatte damals meine Skizzen rumgeschickt und die Leute ermutigt etwas dazu zu spielen. Einfach, was ihnen einfällt oder mal eine Improvisation über vorhandene Spuren. Für mich war das ein schöner Zeitvertreib: Spuren zu hören von Leuten, die ich selber feiere und diese für die Produktion weiterzuverwenden. Der Prozess war nicht durchgeplant, sondern es hat sich alles organisch entwickelt. Es ging bei den Aufnahmen ein paar Mal hin und her. Manche Sachen habe ich gar nicht verwendet, manche nur zum Teil. Mit ein wenig Covid-Lockerungen bin ich dann auch mit Leuten wieder ins Studio und wir haben in Leipzig ein paar Aufnahmesessions gemacht.

Ihr hattet auch ein paar Gigs zur Platte damals, oder?

Ja, ich hatte zwei Touren organisiert, die leider beide mittendrin unterbrochen werden mussten wegen Covid.

Was hat dir neben der Arbeit mit Efterklang und den Spuren deiner Mitmusiker:innen als Inspiration gedient für die Musik, die du mit deiner ersten Platte hast entstehen lassen? Oder hast du vor allem aus deinen Inneren geschöpft?

Für mich ist es immer das Einfachste zu versuchen ein Gefühl einzufangen. Damals war das Melancholie mit einem gewissen optimistischen Blick in die Zukunft.

Lass uns gerne auch über deine aktuelle Veröffentlichung sprechen, die ja noch nicht so lang her ist. Um genau zu sein, erschien dein zweites Album „I Can Fell My Dreams“ letzten Sommer. Wieder bei Squama Records?

Genau! Im Herbst 2023 habe ich eine Weile in Chile verbracht. Ich hatte schon ein wenig Material und mir vorgenommen das dort ein wenig weiterzuspinnen und die Platte nach Möglichkeit abzuschließen. Squama Records hatte schon gefragt, wie es mit dem zweiten Album aussieht und wieder hat mir das gereicht als Impuls von außen. Es fühlt sich gut an ein Label zu haben, das so hinter einem steht und die Musik so feiert, die man macht.

Ich habe Squama auch als sehr stylisches, offenes und musikalisch vielschichtiges Label wahrgenommen.

Total! Ich kann mich auch sehr identifizieren mit dem Style des Labels. Maximilian (einer der Labelbetreiber – Anm. der Redaktion) macht mega coole Plattencover und trifft es meiner Meinung nach immer. In Design-Fragen vertraue ihm da voll. Die Idee des Labels ist es Design und Musik zu vereinen.

Hast du bei der Arbeit an deinem zweiten Album einen musikalisch anderen Ansatz verfolgt? Das Ergebnis ist ja schon ein anderes im Vergleich zum ersten Album.

Vom Sound her auf jeden Fall. Die erste Platte wurde noch von Andre Karius gemischt. Ohne ihn hätte ich das so nicht hinbekommen. Vor allem die Aufnahme und das Mischen von Drums sind eine Sache für sich. Da würde ich mich nicht unbedingt rantrauen wollen. Da das neue Album „beatless“, also ohne Schlagzeug, entstanden ist und ich bereits mit einer genauen Vorstellung vom Sound im Ohr begonnen hatte zu komponieren, war die Entscheidung die Platte selber zu mischen für mich logisch.

Stichwort „beatless“: War es dieses Mal weniger Indie, sondern andere Musikstile, die dich für die Aufnahmen inspiriert haben?

In der Zeit der Entstehung habe ich auf jeden Fall viel Ambient gehört. In Chile habe ich zudem sehr viel Rhythmus in Musik mitbekommen. Ich fand die Idee spannend, einen Puls in die Musik zu bekommen, ohne Percussion zu verwenden. Die meisten Songs sind nicht auf Raster aufgenommen, es wabert mehr so vor sich hin. Es gibt mehrere rhythmische Ebenen, die mal vom Synth kommen oder von den Flöten. Aber es gibt kein wirklich perkussives Element in der Musik. Das war keine bewusste Entscheidung, sondern eher eine Entwicklung. Ich versuche eine Phase zu haben, wo ich Musik mache, ohne viel zu bewerten. Ich möchte es einfach laufen lassen und Material sammeln. Die Entwicklung kommt dann oft von alleine.

Auch auf der neuen Platte hast du wieder sehr viele Gastmusiker:innen verpflichten können?

Ohne die Hilfe und den Input von anderen Leuten würde meine Musik nicht so klingen. Und die verdienen die Credits. Für mich ist es essenziell, immer im Austausch mit anderen zu sein. Auch wenn es nur darum geht, sich über Musik im Allgemeinen auszutauschen oder sich Platten hin und her zu schicken. Die Community ist mir sehr wichtig. Viele haben in Leipzig ihre Base, kommen aber durch ihre Musik viel rum. Sie spielen national und international, was den Horizont bei vielen weiter aufmacht. Und das spürt man meiner Meinung auch in der Stadt. So fühle ich mich wohl und das inspiriert mich.

Ohne diese Frage geht es leider nicht. Du warst 2024 wahrscheinlich in vielen Bestenlisten. Aber unter anderem auch auf Platz 1 der „Best Contemporary Music“-Liste vom The Guardian. Wie hat sich das für dich angefühlt?

Das war natürlich eine tolle Bestätigung! Ich hatte bereits zuvor von vielen Seiten positives Feedback zur Platte bekommen und dann auf so einer offiziellen Liste zu sein, ist natürlich eine Bestätigung mehr. Es ist eine schöne Anerkennung und heißt ja auch, dass man irgendwas richtigmacht. Das ist für mich die Motivation, dahinter zu bleiben und so weiter zu machen.

Du warst gerade in New York für ein paar Konzerte, wie kam es dazu?

Ich wurde auf Insta angeschrieben von jemanden, der meinte, er macht Events in New York und ob ich nicht Lust hätte zu kommen. Und da habe ich gesagt, na klar! Also habe ich dort drei Konzerte gespielt. Es war genau das richtige Setting für die Musik. Die Läden waren genau dafür ausgerichtet und das Publikum war genau in der richtigen Mood. Das war alles mega und ist wirklich sehr gut aufgegangen.

Was steht denn demnächst an bei dir?

D: Im Mai spiele ich acht Gigs in Japan.

Japan, wow! Wie kam das zustande?

D: Über die Distribution von Squama ist die Platte viel in Plattenläden in Japan gelandet. Und auch dort haben sich Leute gefunden, die die Musik scheinbar feiern. So kam es zu der Einladung und der Entscheidung, dort eine kleine Tour zu spielen.

Wie muss man sich deine Solo-Performances vorstellen?

Ich spiele mit meinen Blasinstrumenten, habe meine Effekt-Pedale dabei und ein paar Samples. Basierend auf dem Material der Platten wird das Material dann sehr frei behandelt. Es gibt immer eine Basis, aber darüber sehr viel Improvisation als eines der Hauptelemente. Das mag ich und stellt für mich auch die Parallele zum Jazz her.

Wieviel Jazz ist in deiner Musik noch drin?

Für mich ist meine Musik auch Jazz auf eine Art und Weise. Jazz ist ein flexibler Begriff. Die Improvisation und mit der Musik einen bestimmten Vibe auszudrücken, das macht es für mich „jazzig“.

Du arbeitest bereits an neuem Material. Vor dem Interview hattest du erwähnt, dass hier unter anderem Techno als eine deiner Inspirationsquellen dient? Wie kam es dazu?

Ich weiß auch nicht genau, wie das passiert ist. Ich habe ein paar Freunde aus der Szene, die mich mit auf Raves genommen haben. Ich finde, dass Techno und Ambient auf jeden Fall gewisse Parallelen haben in ihrer Entwicklung und in ihrer Mood. Die gut klingenden Anlagen und die Sounds in der Musik haben mich irgendwie gecatcht. Letztes Jahr im Sommer habe ich dann angefangen zu recherchieren, was mir an Techno so gefällt und mir dann eine Vinyl nach der anderen zugelegt. Ich habe sogar begonnen, für mich ein bisschen aufzulegen.

Ist das komplettes Neuland für dich oder hast du früher auch schon so eine Musik gehört?

Sicher habe ich das früher auch gehört, aber erst jetzt hat es mich so richtig gecatcht und ich höre die Musik bewusster. Natürlich, es ist ein wenig lustig, mit Mitte 30 das Raven anzufangen, aber ich sage mal, besser spät als nie (lacht).

Wir sind gespannt auf neue Musik von dir und vielleicht ist in deinem Mix für uns ja die ein oder andere Platte dabei, die dich zu dieser inspiriert.

Damian Dalla Torre Website // Instagram

Credits: Robin Lambrecht (Fotos), Claudia Helmert (Intro-Text), Nils Schäfer (Interview)

Ein Peak-Time-Label hat es aktuell vermutlich schwer. Clubs schließen, KI übernimmt Musikproduktion und die ganze Welt feiert zu Trance und Pop-Edits. Wie Aio (Jonas) und Aender (Nico) von Kosmos Records diese Entwicklungen beobachten, woher der Wunsch nach einem eigenen Label kam und warum ihre Partys einen ganz eigenen Charakter haben, erfahrt ihr in diesem Interview. 

Seit der Gründung im Sommer 2023 steht das Leipziger Label Kosmos Records für kompromisslosen Techno – bzw. für ihr selbst kreiertes Genre „Space Techno“. Darunter verstehen die Gründer Aio (Jonas) und Aender (Nico) einen Mix aus treibendem Peak-Time-Techno mit Psy- und Melodic-Elementen. Regelmäßig fliegt die Kosmos-Records-Crew bei ihren Partys aus dem Elipamanoke ins All.

Mit an Bord waren bei ihren bisherigen Nächten schon renommierte Künstler wie Oliver Huntmann, Kaufmann oder NoNameLeft. Angekommen im Backstage des Elipmanaoke entwickelt sich schnell ein spannendes Gespräch mit den beiden Köpfen hinter Kosmos Records. Im vollen Kosmos-Merch gekleidet treten Jonas und Nico als ein eingespieltes Duo auf. Zwischen Vision, Humor und einer klaren Haltung sprechen sie über ihre Reise durchs All der Clubkultur – und ihre Idee hinter Kosmos. Für den passenden Soundtrack empfehlen wir die aktuelle EP des Labels:

Wie seid ihr zum Techno gekommen?

Nico: Bei mir war es eine lange Entwicklung. Angefangen habe ich mit DJing über die Vibra, eine DJ-Schule in Leipzig. Damals wusste ich noch nicht genau, wie der Sound heißt; es war irgendwie anders als das, was ich kannte. Über EDM bin ich dann mit 14, 15 eingestiegen, aber so richtig verstanden habe ich erst mit 18: Ah, das ist die deutsche Technoszene. Ab da hat mich der Sound nicht mehr losgelassen – ich meine, das Leben ist ein Vier-Viertel-Takt.

Jonas: Bei mir fing es mit dem Film Berlin Calling an. Als Teenager habe ich den Soundtrack gehört, Paul Kalkbrenner lieben gelernt und gedacht: „Wow, was ist das?“ Vorher habe ich viel Rock gemacht, selbst in Bands gespielt – E-Gitarre und Gesang. Elektronische Musik war für mich damals noch neu. Als ich dann nach Leipzig gezogen bin, bin ich automatisch in Kontakt mit Techno und der Subkultur gekommen. Und weil ich schon immer eigene Songs geschrieben habe, wollte ich schnell wissen, wie man elektronische Musik produziert. Also habe ich mir Ableton besorgt, erste Loops gebaut und nie wieder aufgehört.

Ihr seid über EDM und Rock zum Techno gekommen – wie habt ihr euren Sound gefunden?

Jonas: Bei mir hat es, wie eben erwähnt, mit Kalkbrenner angefangen, das war so das erste Erweckungserlebnis. Danach habe ich Künstler wie Jonas Mantey entdeckt, der wirklich großartige Tracks gemacht hat. Und dann kam die große Deephouse-Phase, die für viele, mich eingeschlossen, einen einfachen Einstieg geboten hat, weil sie massenkompatibel war.

Danach gab es auch so Wellen wie die Elektro-Swing-Zeit. Irgendwann hat man dann angefangen, regelmäßig in Clubs zu gehen und zu schauen, was da eigentlich läuft. Dabei habe ich gemerkt, dass es einen Sound gibt, der düstere Elemente mit helleren Momenten verbindet – genau das, was später Peak-Time-Techno für mich ausgemacht hat. Natürlich hat sich die Richtung über die Jahre verändert, und auch unser eigener Geschmack entwickelt sich immer weiter. Aber wir haben immer wieder Nischen gefunden, in denen wir uns wohlgefühlt haben.

Woher kam dann der Wunsch nach einem eigenen Label?

Jonas und Nico: Vor zwei Jahren haben wir den Entschluss gefasst – aus zwei Richtungen heraus. Bei mir war es so, dass ich bereits auf einigen Labels veröffentlicht hatte und dabei auch einen Einblick bekommen habe, wie die Abläufe dort funktionieren. Teilweise lief es sehr gut, teilweise aber auch nicht. Außerdem hatte ich noch etwa zehn Tracks, die ich unbedingt veröffentlichen wollte, aber nicht konnte – entweder wollten die Labels sie nicht, oder ich hätte auf Labels releasen können, auf denen ich mich nicht wohlgefühlt hätte.

Wie meinst du das, man fühlt sich bei einem Label nicht wohl?

Jonas: Es ist oft so, dass man bei manchen Labels das Gefühl hat, nur eine kleine Nummer zu sein. Man steckt Herzblut in die Musik, freut sich auf den Release – und dann passiert kaum etwas. Keine Promo, wenig Feedback, wenig Kommunikation. Das kann bei großen, aber auch bei kleineren Labels vorkommen. Statt Wertschätzung bleibt am Ende eher ein schlechtes Gefühl.

So war es bei ein paar unserer Releases. Dann haben wir gesagt: Eigentlich wollen wir das anders machen. Wir wollten ein Label gründen, auf dem wir selbst gerne releasen würden. Nicht, weil wir denken, wir könnten es besser als alle anderen – sondern weil wir wussten: Wir geben 100 Prozent, wir stecken genauso viel Herzblut in den Release wie der Künstler. Uns ging es um Respekt und um Augenhöhe. Beide Seiten – Label und Artist – sollen sich gleichermaßen über den Release freuen und daran arbeiten. Das war der Antrieb, unser eigenes Label zu gründen. Und seitdem versuchen wir, diesem Qualitätsanspruch jede Woche gerecht zu werden.

Also seid ihr dann bei dem DIY-Gedanken gelandet?

Jonas und Nico: Genau. Uns war wichtig, ein Label zu schaffen, auf dem wir selbst gern releasen würden. Das beginnt schon bei der Kommunikation mit den Artists vor dem Release und zieht sich über das Artwork bis zum Mastering.

Bei uns gibt es keine 08/15-Visuals und auch keine KI-generierten Artworks – jeder Release bekommt ein eigenes, passendes Design mit klarer Handschrift. Genauso beim Mastering: Wir machen das in-house, gehen mehrere Runden, bis der Artist wirklich zufrieden ist. Nico übernimmt teilweise sogar Stem-Mastering. So stellen wir sicher, dass alles auf einem hohen Qualitätsniveau bleibt.

Das Label heißt Kosmos Records – warum eigentlich?

Jonas und Nico: Wir wollten einen kurzen, einprägsamen Namen, nicht zu verschachtelt. Bei mir spielte auch eine Rolle, dass ich schon lange mit einem Kosmonautenhelm als Markenzeichen unterwegs war – dadurch war das Thema Weltraum irgendwie naheliegend. Gleichzeitig wollten wir uns musikalisch nicht auf ein einziges Subgenre festlegen. Uns ist wichtig: Wenn ein Track gut ist, ist er gut – egal ob Peak-Time, Psy-Techno oder Melodic. Oft lieben wir Stücke, die einen Twist haben – die düster anfangen, dann melodisch aufbrechen und danach wieder volle Energie geben.

Daraus entstand die Idee, ein eigenes Subgenre zu kreieren, das wir „Space-Techno“ nennen. Für uns heißt das: Alles, was uns catcht, was Wiedererkennungswert hat und im Kopf bleibt, zählt dazu – und genau das findet dann seinen Platz bei Kosmos.

Was macht für euch einen guten Techno-Track aus?

Jonas: Für mich ist es wichtig, dass ein Track Abwechslung hat. Monotonie langweilt mich schnell – vielleicht liegt das auch an meinem Band-Hintergrund. Ich sehe ein DJ-Set eher als eine Art Konzert, also als eine Reise mit unterschiedlichen Stimmungen: mal ruhiger, mal härter, mit verschiedenen Basslines. Am Ende muss ein Track im Kopf bleiben, einprägsam sein, aber ohne cheesy zu wirken. Genau diese Balance ist schwer zu finden – auch in den Demos, die wir bekommen.

Nico: Ich sehe das ähnlich. Für mich macht ein guter Track aus, dass er ein solides Thema hat, das sich über die ganze Länge trägt. Dazu kommt ein geiler Mixdown – da geht mir als Nerd natürlich das Herz auf. Varianz ist wichtiger als Monotonie, und toll ist es, wenn ein Künstler eigene FX oder ein unverkennbares Markenzeichen einbaut. Solange ein Track das hat und packt, ist es egal, ob er kurz oder lang ist – dann ist er gut.

Was macht für euch ein gutes DJ-Set bei einer Party aus?

Jonas und Nico: Für uns gehört auf jeden Fall der Signature-Sound des Artists dazu – das ist ja auch der Grund, warum die Leute kommen. Gleichzeitig ist Respekt wichtig: Wir machen zwischen den Sets bewusst eine kleine Pause, um den Wechsel spürbar zu machen. Oft spielen wir dann einen Intro-Track, der die Leute abholt und signalisiert: Jetzt beginnt ein neues Kapitel des Abends.

Ein gutes Set ist für uns eine Reise. Es soll Abwechslung haben, sich im Laufe der Stunden steigern und in den Peak hineinführen – nicht schon zu Beginn alles verschießen. So erzählt nicht nur jedes einzelne Set eine Geschichte, sondern der ganze Abend bekommt einen Spannungsbogen.

Natürlich hängt viel vom Kontext ab: Spielt man im Club oder Open Air, zu welcher Uhrzeit, welches Publikum ist da? Das alles beeinflusst die Stimmung. Wichtig ist aber immer, dass die Tänzer:innen vor einem spüren, dass man sie mitnimmt – mit einem eigenen Sound und einer Vision für den Abend.

Versucht ihr  einen bestimmten Vibe auf euer Party zu kreieren?

Jonas und Nico: Ja, absolut. Uns geht es darum, einen mystischen Look zu transportieren – sodass man sofort merkt: Das ist eine Kosmos-Veranstaltung. Nicht nur die Musik, auch die Visuals sind einzigartig. Unsere Artworks sind spezifisch gestaltet, nicht generisch oder KI-generiert, und schaffen ein Erlebnis, das man nur bei uns bekommt.

Wir arbeiten daran, Musik und Visuals in eine Symbiose zu bringen. Anfangs hatten wir nur einen Beamer, inzwischen sind es mehrere, plus eine Stele auf dem Mainfloor, die wir mappen (steuern) können. So entwickeln wir uns stetig weiter. Dazu kommt das gesamte Setting: Lichtkonzept, Position des DJs, die Atmosphäre im Raum. Alles soll ineinandergreifen und eine konsistente Story erzählen – für die Raver:innen, die nicht nur hören, sondern auch sehen und fühlen wollen.

Habt ihr ein bestimmtes Ziel für Kosmos Records in den nächsten Monaten oder Jahren? Wollt ihr bestimmte Künstler aufs Label holen?

Jonas und Nico: Am Anfang haben wir so gedacht, aber inzwischen ist uns etwas anderes wichtiger geworden. Zum Beispiel zu sehen, dass wir junge Acts, die vorher noch gar keinen Release hatten, dabei unterstützen konnten, ihre ersten Schritte zu machen – und dass sie jetzt schon auf größeren Labels veröffentlichen. Zu wissen, dass wir die Ersten waren, die sie entdeckt und begleitet haben, ist ein super Gefühl.

Unser Ziel ist es, einfach konsistent weiter wahrgenommen zu werden. Klar, wir freuen uns, wenn Tracks von Kosmos in Charts landen oder von bekannten Acts auf großen Bühnen gespielt werden. Aber im Kern geht es darum, eine feste Größe in der Szene und den Subgenres zu bleiben. Das ist für uns das nächste große Ziel.

Ihr habt ein Peak-Time-Label – nicht gerade das Einfachste, wenn gerade alle zu Trance feiern. Wie steht ihr zur Techno-Szene?

Jonas und Nico: Wir haben gemerkt: Es bringt nichts, sich zu beschweren. Musik ist immer im Wandel – Genres werden größer, andere verschwinden wieder. Unser Einfluss liegt darin, unseren eigenen Sound und unsere Vorstellungen einzubringen. Ob das dann von der Masse gefeiert wird, können wir nur begrenzt beeinflussen.

Diesen Wandel gibt es schon immer: Als ich angefangen habe, war Minimal groß, dann kam Deephouse, davor und danach Drum’n’Bass-Wellen. Heute sind es eben Trance-Elemente, morgen vielleicht wieder etwas anderes. Wichtig ist, dass die Motivation von innen kommt. Wenn man sich nur davon abhängig macht, was außen gerade gefragt ist, kann man das nicht lange durchhalten. Deshalb sagen wir: Wir geben unser Bestes – sei es mit unseren Releases oder Veranstaltungen – und schaffen ein Angebot, über das wir uns selbst als Raver oder DJs freuen würden. Ob und wie das angenommen wird, liegt am Ende nicht in unserer Hand.

„Wenn man sich nur davon abhängig macht, was außen gerade gefragt ist, kann man das nicht lange durchhalten.“

DJs werden immer mehr auch Influencer, wie beobachtet ihr diese Entwicklung?

Jonas und Nico: Heutzutage wird versucht, überall Content zu produzieren. Beim DJing ist das besonders interessant, weil die technischen Möglichkeiten die Eintrittshürde sehr gering machen. Wenn man ein Instrument spielt oder singt, muss man jahrelang üben, um auf eine Bühne zu kommen. Ein DJ-Set zu spielen, ist heutzutage dagegen relativ niederschwellig. Das führt zu Dynamiken in der Szene: Selbst mit einem kurzen Crashkurs kann man schnell auf einer Bühne stehen, etwas, das bei anderen künstlerischen Darbietungen kaum möglich ist.

Aktuell beschäftigt uns vor allem das Thema AI in der Musikproduktion. Früher galt: DJing ist einfach, Produzieren ist schwer. Doch auch daran wird jetzt gearbeitet. Wir sind gespannt, wie sich das in den nächsten Jahren entwickelt. Hinter den Kulissen sehen wir viel Ghostproducing, und man könnte vermuten, dass Ghostproducer künftig weniger zu tun haben, weil AI das einfacher ermöglicht.

Blickt man auf die Entwicklung des DJ-Handwerks, erkennt man große Schritte: von Vinyl über CDJ, vom Beatmatching hin zum Sync-Button. Der nächste Schritt betrifft das Producer-Handwerk, das durch technische Weiterentwicklungen zunehmend automatisiert und vereinfacht wird. Besonders im Bereich Vocals ist das beeindruckend: Früher musste man stundenlang im Internet suchen, um passende Vocals zu finden. Heute kann eine AI genau diktieren, was die Stimme sagen soll und in welchem Tempo – und direkt in einen Track einbauen.

Das eliminiert viele Grundhürden und erlaubt es, sich stärker auf das große Ganze zu konzentrieren. Man kann das Gesamtwerk schneller generieren, betrachten und Entscheidungen auf einer ganz anderen Ebene treffen, die vorher kaum erreichbar waren. Das ist spannend und eröffnet neue Möglichkeiten, birgt aber auch Herausforderungen. Letztlich kann man die Entwicklung nicht kontrollieren, man kann nur beobachten, wohin sie geht und entscheiden, ob man mitgeht. Bei uns haben wir zum Beispiel bewusst entschieden, bei den Artworks handgemacht zu bleiben und keine AI einzusetzen. Das ist eine bewusste Entscheidung, die jeder für sich treffen muss.

Was genau könnte KI aus eurer Sicht in der Musikindustrie übernehmen? 

Jonas und Nico: Mittlerweile gibt es schon Sound-Generationen über verschiedene Plugins. Man kann sogar Referenz-Sounds nutzen, um einen Sound nachbauen zu lassen. Bisher ist die Qualität allerdings noch nicht durchgehend hoch. Vocals werden immer besser, aber ein generierter Sound ist noch lange nicht fertig. Man kann noch tausend Effekte draufpacken, um ihn ganz anders klingen zu lassen – das ist die neue Kreativität, die daraus entsteht.

Es gibt inzwischen All-in-One-Lösungen, die sogar Pop-Songs schreiben können, und erste AI-Bands findet man schon auf Spotify. Spannend wird in den nächsten Jahren vor allem der Einzug von AI in Digital Audio Workstations (DAWs). Dann werden Plugins viele Aufgaben übernehmen können. Ob das hilfreich ist oder irgendwann einschränkend wirkt, wird sich zeigen. Die Grundfrage wird also sein: Produziere ich einen Sound, weil er gerade funktioniert und andere ihn nutzen, oder weil ich mich selbst darin wiedererkenne? Ähnlich wie bei Social-Media-Trends: Einer setzt etwas, viele folgen – bis jemand Neues wieder etwas Eigenes einbringt. So entstehen ständig neue Entwicklungen. Alles in allem ist das verrückt und faszinierend, was AI mittlerweile kann und was noch kommt. 

Ein Glück stehen noch keine Roboter in der DJ-Booth …

Jonas: Ich glaube, das wird auch so bleiben, weil Menschen weiterhin Menschen sehen möchten. Der menschliche Faktor, die Interaktion, wird nicht wegfallen. Natürlich könnte es irgendwann einen Club geben, in dem ein AI-Roboter auflegt, aber die Live-Erfahrung mit echten Menschen wird bestehen bleiben – gerade weil sonst zu viel von der sozialen Dimension verloren ginge.

„Menschen wollen Menschen sehen“ – man sieht euch dann am 27. September 2025 bei der nächsten Kosmos-Party im Elipamanoke?

Jonas: Ja genau, da haben wir Unknown Concept aus Australien dabei – er ist gerade auf Europatour. Wir haben die Chance genutzt, ihn direkt nach Leipzig zu holen. Er war noch nie hier und tritt generell sehr selten in Deutschland auf.

Er steht für ein weiteres Subgenre, den sogenannten Bush-Techno. Das ist ein Sound, der aktuell in Australien viel produziert wird: quirlig, verspielt, sehr groovig und mit sehr markantem, komplexem Sounddesign. Es ist sicherlich ein Booking, das in Leipzig noch nicht viele kennen. Deshalb würden wir uns freuen, wenn Leute ihm eine Chance geben, auch wenn sie den Namen noch nicht gehört haben. Es ist ein sehr erfrischender Sound, den man hier in den Clubs eher selten hört.

Ob bei der nächsten Kosmos-Party im Elipamanoke Floor 3 von einem Roboter bespielt wird, der die Beatport-Charts von oben nach unten runter rockt bleibt spannend. Wie Licht, Bühne und Musik ineinander greifen und welche Geschichte das Label bei der nächsten Veranstaltung erzählt, könnt ihr diesen Samstag selbst erleben. 

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