frohfroh feiert Jubiläum: 15 Jahre gibt es den Blog. Wir, wechselnde Menschen der digitalen Redaktion, schreiben seitdem über Clubkultur. Und beschenken uns und euch mit einem zweiten Print-Magazin.

Wir wollen an dieser Stelle noch etwas mehr erzählen. Und das, was jetzt kommt, wurde so oft gesagt, geschrieben, auf Podien diskutiert, im Radio gemeldet und im Fernsehen in Talkrunden als immer gleiches Intro abgespielt – aber es stimmt eben, wir alle durchleben gerade eine Krise nach der anderen; manche sind „weiter weg“, manche näher, manche lassen sich eine Woche verdrängen, manche nur eine Stunde. Es macht Bauchschmerzen, ungute Gefühle. Demgegenüber stehen hoffentlich, vielleicht, persönliche, glückliche Momente und Begegnungen. Und einige davon passieren sicher weiterhin im Club. Oder davor, in der Schlange; danach, auf einer Afterhour (wer zu solch einer Aktion noch fit genug ist).

Dieses Magazin war für mich als Herausgeberin ein Lichtblick. In genau dieser Zeit. Wer für etwas brennt, kämpft oder das große Glück hat, sich auch immer wieder mit schönen Dingen beschäftigen zu dürfen, dem geht es oft ein Stückchen besser. So war das bei mir. Ich habe es sehr genossen, dieses Magazin, trotz allem, was um uns herum passiert, machen zu dürfen. Mit hervorragenden, zugewandten Partner:innen, die das Magazin mit Inhalten befüllt, kreiert, konzipiert und gestaltet haben. Danke dafür.

Hier könnt ihr das Magazin vorbestellen.

Mit Texten, Fotografien, Geschichten, Reportagen, Illustrationen von Alexander Meyer, Anna Luisa Richter, Annika Franz, Antoinette Blume, Atzensafespace, Celina Hoß, Christoph Neubert, Cinja Schmied, Claudia Helmert, Corina Retzlaff, Dana Lorenz, Felix Brenner, Fine Heininger (Matrosenhunde), Iona Dutz, Jens Wollweber, Johannes Angermann, Josephine Dishoni, Julia Boehme (Studio Goof), Juliane Jeske, Marla Leu, Music S Women*, Nikolas Fabian Kammerer, Nietze, Nils Schäfer, Panthera Krause, Saou Tanaka, Silvan Vincent Birkner, Sophia Kesting, Sophie Boche, Tobias Siebert und Ulla Heinrich.

Redaktion: Nastassja von der Weiden und Jens Wollweber
Herausgeberin: Nastassja von der Weiden
Lektorat: Christoph Neubert
Gestaltung: Stefan Kindler (FZEY)
Druck: Magentur

Das Magazin ist ein Geschenk an unsere Autor:innen, Künstler:innen, unsere Redaktion, euch. Es ist kein kommerzielles Magazin. Ihr findet darin keine Werbung und ihr bekommt das beste Papier, das wir uns leisten konnten. Ihr erwerbt mit unserem zweiten Magazin 170 Seiten Leipziger Clubkulturgeschichte und unterstützt unsere ehrenamtliche Arbeit als Blog für elektronische Musik in Leipzig. Also: Es lohnt sich. 

Transparenz ist wichtig. Es war nicht nur Sonnenschein. Es war auch anstrengend. Umso mehr freue ich mich über das Ergebnis. Als unabhängiger Blog fehlt uns nur noch eins zum Erfolg des Projekts: Magazinverkäufe. Nicht um Gewinn zu machen, sondern um die Rechnung der Druckerei bezahlen zu können.

Die Auflage ist limitiert. Sichert euch vor Ort oder bei Bandcamp euer Exemplar. Entweder mit schwarzem oder weißem Cover. Mit uns feiern (und das Magazin vor Ort kaufen) könnt ihr an zwei Terminen im November. Wir freuen uns über alle, die mit uns anstoßen, sprechen und durch die Seiten blättern wollen. Come early, stay late; kommt gerne zu beiden Terminen, aber mindestens zu einem.
Wir freuen uns auf euch.

Past. Present. Future.
15 Jahre frohfroh

14.11.2024 __Talk & Party
Conne Island 
20-03 Uhr

Einlass ab 19 Uhr
Beginn 20 Uhr

__Talk 
mit Thomas Meinecke
Kassem Mosse
und Mix Mup

__Party
mit Kassem Mosse
Mix Mup
Oliv

***

15.11. __Listening & Drinks
Inch by Inch
18-21 Uhr

__DJs
Jewelry 
Nils Panda

Das Balance Club/Culture Festival begleiten wir schon von Anfang an – umso mehr freuen wir uns, dass wir zum digitalen Festivalstart der 2024-Ausgabe ein Multimedia-Essay von Whitney Wei und Yi Li bei uns hosten dürfen.

Vom 1. bis zum 3. November 2024 findet das diesjährige Balance Club/Culture Festival statt – wir hatten bereits ausführlicher darüber berichtet. Zum Start veröffentlichen wir ein spannendes Essay von Whitney Wei zur Frage, wie progressiv die Szene der elektronischen Musik eigentlich noch ist. Als ehemalige Chefredakteurin von Resident Advisor und Telekom Electronic Beats hat sie zahlreiche Artikel zur Clubszene, elektronischen Musik und zu Künstler:innen in Medien wie The Guardian und Vogue US veröffentlicht. Die Künstlerin Yi Li hat das Essay aufgegriffen – künstlerisch und multimedial.

Der Text ist original in Englisch und hier zu finden, übersetzt wurde er ins Deutsche von Anna Schüler.

Erst diesen September hat Aslice wegen Insolvenz seine Auflösung bekannt gegeben. Die Plattform war 2022 von DJ DVS1 ins Leben gerufen worden und sollte es DJs ermöglichen, Playlists ihrer Gigs hochzuladen und einen Teil ihrer Einkünfte an die Produzent:innen der von ihnen gespielten Musik weiterzugeben. Zumeist unentgeltlich gegen Promo. Zeitgleich veröffentlichte Aslice, ironischerweise unter dem Titel „A Slice Of Fairness“ („Ein Stück Fairness“), einen von einem externen Dienstleister fertiggestellten Bericht, der die erhobenen Daten auswertete. Schon das Vorwort des Autors David Boyle beschreibt den Zustand elektronischer Musik mehr als treffend; es geht vor allem um die eigene Ich-Bezogenheit: „Die Aslice-Story legt offen, wie abgekoppelt der Wunsch nach Fairness von der Bereitschaft ist, sich auch dafür einzusetzen“, schreibt Boyle. „Wir wollen mit dem Bericht feiern, dass ein solches Konzept möglich ist. Gleichzeitig wollen wir hinterfragen, warum wir uns am Ende aus Bequemlichkeit für den Status Quo entscheiden, anstatt für eine greifbare Alternative und fair pay, selbst wenn elegante Lösungen auf dem Tisch liegen.“ Boyle verweist auf eine Art Selbsttäuschung, die in der gesamten Szene zu finden sei: So sehr in der Szene zwar von Community gesprochen und eine Kultur des solidarischen Miteinanders heraufbeschworen wird, so selten entscheiden sich diejenigen, die über Gestaltungsmacht und Ressourcen verfügen, dafür, diese mit einem weniger privilegierten Gegenüber zu teilen. Und dieses Gegenüber sind meistens marginalisierte Nachwuchskünstler:innen.

Wachstumsprinzip um jeden Preis

Die elektronische Musikszene hat ein äußerst gespaltenes Verhältnis zu ihrer eigenen Marktwerdung. Denn auch wenn Underground-Zeiten vorbei sind und die einstige Aura von Techno inzwischen zum Phantom geworden ist, klammert sich die Szene nach wie vor an diesen vergangenen Mythos. Übrig geblieben ist eine milliardenschwere Industrie mit all den damit verbundenen Auswirkungen: extreme Einkommensgefälle und die Aushöhlung der ursprünglichen Werte des Genres. 

Einst stand das Rave-Erlebnis, mit den Worten des Wissenschaftlers Liam Maloney gesprochen, „für Zugehörigkeit, Akzeptanz und Gemeinschaftssinn, und für ein Feiern der Unterschiede.“ Werte, die in der Clubkultur auch heute noch, wenn auch eingeschränkt, Bestand haben.  

Die Szene-Player der Clubkultur halten sich aber eher mit Unterstellungen auf und zeigen mit dem Finger aufeinander, anstatt sich entschlossen gegen die eigentliche Ursache für den Abbau ihrer Werte zu stellen: nämlich die perfide Wachstum-um-jeden-Preis-Logik der Unterhaltungsindustrie.
Die aktuelle Debatte um den „TikTok-Hype“, der die Verwertung von Clubkultur befördere, bietet ein gutes Beispiel. „Techno Tok“, wie sich der Trend in Anlehnung an den auf TikTok verbreiteten Techno-Content nennt, gibt in kurzen Video-Snippets Party- oder Stylingtipps für Raves („Wie du ins Berghain kommst“) oder zeigt Tanztutorials. Das Unbehagen, mit dem die Szene diesem Phänomen gegenübersteht, erwächst aus der Sorge, dass die Content-Konsument:innen einen Lifestyle auf der Grundlage von Techno (oder jedem anderen elektronischen Musikstil), lediglich als eine Art Kostüm oder Trend begreifen, der wie die vorbeiziehenden Mikrofashiontrends nach einer Season wieder abgelegt wird. Dabei werde ausgeblendet, dass Techno im Kontext gesellschaftlich progressiver Werte und einer Kultur politischer Gegenkultur entstanden ist und über Jahrzehnte gepflegt wurde. Wenn also diese Counterculture zur reinen Ästhetik oder zu einem oberflächlichen Trend wird, wie können ihre progressiven Kernanliegen erhalten werden? Wie ein Artikel im Groove-Magazin von 2022 beschreibt, läuft man mit dieser Ignoranz Gefahr, die Werte und der darin enthaltene Respekt vor den Differenzen des Gegenübers zu ignorieren, weitere Ausgrenzung für marginalisierte Gruppen zu fördern und diese zu bedrohen.

Aber ist TikTok, das größtenteils von der Gen Z genutzt wird, wirklich das zentrale Problem? Über 60 Prozent der TikTok-Nutzer:innen sind Gen Z, der mit Abstand progressivsten Generation in Bezug auf die Rechte von LGBTQ+, Gendergerechtigkeit oder den Zugang zu Schwangerschaftsabbrüchen. Zudem ist Gen Z statistisch die Generation, die weniger häufig ausgeht, weniger trinkt und sich in der Tendenz auch nicht mehr in Clubs herumtreibt. Natürlich gibt es Ausnahmen. Zum Beispiel sozial wie finanziell abgehängte junge, ethnisch homogene Männer in Deutschland, die bei den jüngsten Parlamentswahlen mit großer Mehrheit für die AfD gestimmt haben. Doch lassen sich die wiederkehrenden Probleme innerhalb der Clubkultur an leicht zu beeindruckenden Twenty-Somethings mit sich ständig verändernden Identitäten festmachen? Nicht vollständig.

Underground vs. extreme Kommerzialisierung

Mir scheint, das zentrale Problem besteht darin, dass die Clubszene sich nicht der Realität stellen möchte: nämlich, dass sie zu einer schnell wachsenden, globalen Milliardenindustrie geworden ist, die Investoren und private Unternehmen anzieht. Das zeigt sich auch daran, dass die Genremedien weiterhin so tun, als wären sie der Underdog.

Die meisten elektronischen Musikzeitschriften und ihre langjährigen Leser:innen konzentrieren sich oft nur auf einen sehr kleinen Teil von Musiker:innen, die noch „Underground-Integrität“ – ein sich ständig wandelnder Begriff – besitzen, während es gleichzeitig ein großes Abgrenzungsbedürfnis gegenüber „Business Techno“ (einer Art Sammelbegriff für kommerzielle elektronische Musik) und Mainstreamkünstler:innen wie Peggy Gou oder Fred Again gibt. Es ist der Versuch, sich einen Teil dieser Glaubwürdigkeit zu bewahren. 

Und auch die Künstler:innen der Szene präsentieren sich als Gegenspieler zur etablierten Kultur, ein Verhalten, das die Wissenschaftlerin Danielle Antoinette Hidalgo in ihrem Buch „Dance Music Spaces“ in Anlehnung an die Wissenschaftler:innen Julian Schaap und Pauwke Berkers als „Authenticity Maneuvering“ bezeichnet. Der Begriff, den sie innerhalb der elektronischen Musik neu kontextualisiert hat, „versucht zu erfassen, dass von DJs und anderen zentralen Figuren der Szene eine Form von ‚authentischer Praxis‘ erwartet wird, oder dass eine solche Praxis wenigstens performt wird, wenn sie mit der Branche interagieren.“ Einige Taktiken, die sie auflistet, umfassen „Name-Dropping“ (enzyklopädisches Wissen über Musik wird besonders geschätzt), Geschichten „von Früher„ erzählen, der Rückgriff auf ein PLUR-Credo (Peace Love Unity Respect), andere DJs als unauthentisch oder als „Sell-Outs„ anzuprangern sowie ein „Reflektieren und Aufklären über die Ursprünge des Genres.„ Mein Take dazu ist, dass diese Methoden ausschließlich in der elektronischen Musik und nicht in anderen Musikgenres zum Einsatz kommen, um von der hochgradigen Kommerzialisierung der Szene abzulenken.

Im Ergebnis kommt es zur Schieflage, weil zwar das eine gesagt, aber das andere getan wird. Die Gatekeeper:innen der Szene sind vor allem damit beschäftigt, in Online-Echokammern die Werte der Ravekultur heraufzubeschwören. Und niemand will zugeben, dass ein wesentlicher Teil der Clubs und Festivals inzwischen mit Feier-Städtetourismus, Ticketplattformen, kommerziellen Marken, multinationalen Konzernen, Kapitalanlegern, Private-Equity-Finanzplayern und nicht zuletzt zum Teil auch mit Social Media aus dem Rave eine Marke gemacht, seinen Undergroundstatus zerstört und so in ein spätkapitalistisches Modell eingepasst haben. Und da in diesem Markt zählt, ob ein:e Künstler:in viral geht und Veranstaltungen ausverkauft sind und dass möglichst viele Besucher:innen durch Clubtüren geschleust werden, steht außer Frage, dass ignorante kommerzielle Player ohne Verständnis für die Bedeutung der Clubkultur angelockt werden.

Der Verfall von Community-Werten

„Die Szene und Kultur waren Rückzugsorte für People of Colour, die in queeren und weißen Spaces nicht willkommen waren. Es ging bei elektronischer Musik um Liebe, Gemeinschaft, Befreiung und Sex und nicht darum, tagelang high und wasted zu sein“, schreibt die bekannte DJ Honey Dijon in einem Instagram-Post. Auch sie beschreibt eine Aushöhlung dieser Werte: „wenn ich darüber nachdenke, dass ein Musikgenre mit dem Anspruch, die Welt zu verändern, das von Schwarzen Jugendlichen und von Szene-Queens mit äußerst progressiven Ideen begründet wurde und nun von einer weißen Mittelschicht zur Unterhaltungsindustrie kolonisiert worden ist, bei der es nicht mehr darum geht, Künstler:innen zu pushen, sondern Social-Media-Stars … und genau das ist passiert, dann geht es für mich darum, die wahren Pionier:innen dieser Kultur in den Vordergrund zu stellen.“ 

Honey Dijon beschreibt, wie der Kapitalismus, oder in den Worten der radikalen feministischen Autorin Bell Hooks das „white supremacist capitalist patriarchy“ eine Kultur zerstört hat. Dieses System basiert auf der Ausbeutung von Frauen und People of Colour und hat die Angewohnheit, Kulturen zum eigenen Vorteil auszunutzen und zu verschlingen. Es gibt für gewöhnliche Clubbesucher:innen, die hin und wieder ein Ticket für Four Tet oder Richie Hawtin auf Dice kaufen, für den Junggesell:innenabschied nach Ibiza fliegen und vielleicht auch schon versucht haben, mithilfe eines TikTok-Tutorials ins Berghain zu kommen, keinerlei Grund, sich mit den Ursprüngen elektronischer Musik zu beschäftigen. Elektronische Musik ist nicht ihr Lifestyle oder ihr persönliches Interesse. Sie tauchen ins Nachtleben ein und kehren nach einer Clubnacht in ihr Leben zurück – und leider ist es ihnen erlaubt, genau wie es in jeder anderen Form von Kultur auch oberflächliche, „Drive-Thru“-Teilnehmer:innen gibt. Ein:e Kund:in kann jede beliebige, global populär gewordene Speise in einem Restaurant genießen, ohne jemals auch nur einen Gedanken an die unsichtbaren Formen der Unterdrückung verschwenden zu müssen, die diese Küche repräsentiert – auch wenn der:die Kund:in selbst rassistische Überzeugungen hegt.

Die frühen antifaschistischen Raves der 90er sind zwar vorbei – aber es gibt Hoffnung

Elektronische Musik ist in hohem Maße kommerziell und zum Mainstream geworden und wird im Laufe der Jahre zu einer weiter wachsenden, gigantischen Industrie mit steigenden Teilnehmer:innenzahlen werden. Es ist verantwortungslos, diese Welt noch als „Underground“, als „Subkultur“ oder als „Gegenkultur“ zu bezeichnen, wo doch offensichtlich ist, dass ihre Ursprünge in der Arbeiterklasse und in der Gegenkultur längst verblasst sind. 

Ein Paradebeispiel dafür sind DJs, die bis zu 10.000 Dollar Honorar pro Set verlangen. Ein anderes, dass Tourist:innen rund 1,6 Milliarden Euro jährlich ausgeben, um in Berliner Clubs feiern zu gehen. Letztes Jahr kaufte die Investmentgesellschaft Group Artémis des französischen Milliardärs François-Henri Pinault die Creative Artists Agency für sieben Milliarden Dollar, bei denen unter anderem Dawn Richard, Amelie Lens und Eartheater unter Vertrag sind.

Es mag in dieser Welt zwar Underground-Enklaven geben, das ja, aber wir sind an einem Punkt angelangt, an dem Raven gehen kein Geheimnis mehr und keine Form des Ausdrucks für alternative Lebenskonzepte ist, wie es in den 1980ern in verlassenen Lagerhäusern und Kellern gewesen ist. So ist die Realität – und je eher wir uns klar machen, dass die antifaschistischen Raves der 1990er vorüber sind, desto besser können sich die Communities, die von der Kommerzialisierung betroffen sind, gegen diese Entwicklungen wappnen.

Doch nicht alles ist nur Sturm und Drang. Trotz der Megaclubs und ihrer rücksichtslosen Techno-Tourist:innen und all der Nachtschwärmer:innen, die auf Resident Advisor nach Tipps für den nächsten Rave suchen, gibt es auch weiterhin ausdauernde Venues von von sehr bewandten, engagierten Kulturschaffenden, die 200-Personen non-profit Parties für ihre queeren Genoss:innen feiern. Noch immer verlieben sich junge Menschen, die über große EDM-Festivals in die Szene gespült werden, in elektronische Musik und die dahinter stehenden politischen Überzeugungen. Noch immer finden in kleinen Off-Locations palästinasolidarische Raves und Soliparties für queere Gesundheit mit local DJs in der Nachbarschaftsbar statt. Noch immer gibt es unabhängige Festivals, die Schwarzen Künstler:innen eine Plattform geben. 

Von Zusammengehörigkeit und Community

Die Clubkultur befindet sich in einer massiven Umbruchphase und bestimmte Elemente dieser rohen, befreiten, eng zusammenstehenden Ursprungskultur werden nie wieder so sein, wie sie mal waren. Die elektronische Musik hat sich im Wesentlichen verkauft und ist zum Big-Ticket-Entertainment für Massenunterhaltung geworden. Diese Entwicklung muss man betrauern. Aber die Kraft der selbstorganisierten Communities, die sich in nischigen Kellerclubs und Off-Locations trifft und Raves feiert, wo das Publikum tatsächlich die Diversität menschlicher Erfahrungen widerspiegelt – das wird niemals sterben. Dennoch: Solche Veranstaltungen sind kleine Tropfen in einem großen, aufgewühlten Ozean. Der entscheidende Unterschied ist, dass diese Erlebnisse oft nur minimale Gewinnspannen haben. Denn, im Gegensatz zur riesigen Industrie, die dahinter steht – geht es hier nicht um Geld verdienen, sondern um Zusammengehörigkeit und Community.

We have been following the Balance Club/Culture Festival from the very beginning – so we are all the more delighted to be hosting a multimedia essay by Whitney Wei and Yi Li for the digital festival launch of the 2024 edition.

This year’s Balance Club/Culture Festival will take place from November 1 to 3, 2024 – we had already reported on it in more detail. To kick things off, we are publishing an exciting essay by Whitney Wei on the question of how progressive the electronic music scene actually still is. As the former editor-in-chief of Resident Advisor and Telekom Electronic Beats, she has published numerous articles on the club scene, electronic music and artists in media such as The Guardian and Vogue US. The artist Yi Li has taken up the essay – artistically and multimedia-based.

The German version can be found here – in a translation by Anna Schüler.

This past September, Aslice announced its closure due to financial insolvency. Founded in 2022 by the DJ DVS1, the revenue-sharing platform allowed DJs to upload their gig playlists and donate a portion of their fees to the producers from whom they acquired their music, often for free via promos. A report prepared by an external data analysis agency accompanied Aslice’s announcement. Ironically titled „A Slice Of Fairness,“ its introduction by author and analyst David Boyle reveals the state of electronic music for what it is: rather selfish. „The Aslice story exposes a disconnect between the desire for fairness and the willingness to act on it,“ he wrote. „This report serves as both a celebration of what’s possible and a call to action, urging us to examine why, even in the face of elegant solutions, we often choose the comfort of the status quo over the demonstrated possibility of a more equitable future.“ Boyle points to an industry-wide self-delusion: for all the emphasis around „community“ and „togetherness“ that undergirds this scene, it’s rare that those who have the power, resources, and influence to share with their less fortunate counterparts, usually emerging artists in socially marginalised positions, will ever choose to do so. 

The growth-at-all-costs ethos 

Contemporary electronic music has a somewhat dissonant relationship with its own commodification. It’s a genre that often clings to the bygone mythology and now spectre of its underground status even though this no longer the case. It is undeniably a multi-billion dollar industry, with all the repercussions that come with it, including extreme income inequality and the corruption of its original core values. At one point, the rave meant, in words borrowed from academic Liam Maloney, „notions of inclusion, acceptance, communality, and a celebration of difference,“ an ideology he notes continues to persist in club culture today, though this I would qualify. Rather than facing this disintegration courageously, industry players continue to attack strawman arguments and finger point at one another instead of contending with the real source of the erosion: the insidious growth-at-all-costs ethos of the entertainment machine itself. 

The recent argument around „TikTok hype“ leading to the exploitation of club spaces is a good example of this. ‚TechnoTok,‘ as it’s called in reference to Techno content on TikTok, is a series of snippets varying from party culture tips („How to get into Berghain,“ etc.), raver style to dance tutorials. Much of the electronic music’s hand wringing around this phenomenon comes from the fear of how content consumers will perceive a music-driven lifestyle like techno (or any other electronic genre) as a costume to try on for a season like the passing fashion micro-trend, when in actuality the music has been cultivated over time within a set of rich, socially progressive values and a history of political defiance. If a counterculture becomes an aesthetic, superficial trend, how will these progressive ideals survive? This ignorance against said values and respect towards the differences of others, as pointed out in the 2022 Groove article, then ushers in the threat of harassment and discrimination against marginalised communities. 

But is TikTok, used largely by Gen Z, really the issue here? If we know 60% of TikTok users are Gen Z, the most socially progressive generation by far in terms of LGBTQ+ rights, gender equality, and abortion access and also the generation that is less likely to go out, drinking less, and even giving up on clubbing. There are of course exceptions to this, particularly in the case of men, with young people from less ethnically diverse and financially disenfranchised parts of Germany who were mobilized towards voting for the far-right (AfD) in the recent election. But can we really pin many of the recurring issues of club culture onto impressionable early twenty-somethings with amorphous identities? Not entirely. 

Underground integrity vs. intense commercialization

The main issue, it appears to me, is that much of electronic music does not want to look into the mirror and see the face of a fast-growing, mainstream global industry, attracting the likes of venture capitalists and private equity companies. You can see this through the persuasive ways the genre’s media continues to purport an underdog perspective. 

Most electronic music publications and their legacy audiences often only focus on one very small portion of musicians who still have „underground integrity,“ a moving target in every respect, while decrying „business techno“ (a kind of catch-all term for commercial electronic music) or shying away from covering more mainstream counterparts like Peggy Gou or Fred Again. in an effort to preserve their own aura of credibility. Artists in this scene posture their role as countercultural agents, too, a behavior that the academic Danielle Antoinette Hidalgo refers to as „authenticity maneuvering“ in her book Dance Music Spaces, borrowed from scholars Julian Schaap & Pauwke Berkers. The term, which she’s recontextualised within electronic music, „aims to capture the authentic imperative, an expectation that DJs and other key actors in dance music must, at the very least, perform acceptable authenticity practices as they interact with the industry. Since there is such a fine line that DJs must walk to continue earning a living in the scene while at the same time supporting (or at least appearing to support) its culture and collective identity.“ She goes on to list a few authenticity maneuvering tactics, including „name-dropping (encyclopedic knowledge of music is especially valued); telling ‚back in the day‘ stories; utilizing a PLUR-like ethos; calling other DJs out for being inauthentic and/or „selling out“; reflecting on and educating people about dance music history.“ I would argue that these methods are singularly deployed in electronic music in particular, as opposed to other genres, to divert away from the truth of its intense commercialization. 

What results is a kind of ’say one thing, do another‘ groupthink incongruity. The gatekeepers of the culture are so focused on parroting the values of the rave in their online echo chambers that they have not admitted to the fact that a significant portion of clubs and festivals, along with multi-city nightlife tourism, events ticketing platforms, commercial brands, corporate conglomerates, venture capitalists, private equity companies, and yes, social media in part as well, have all together excavated and extracted from the rave for its commercial viability, thereby depleting its underground credibility, and groomed it to adhere to a late capitalist model. And when this model is about internet virality or selling out tickets and getting as many people in the door as possible, there is no question that this kind of cultural exploitation will attract ignorant players to enter laissez-faire club spaces without an understanding of what club culture truly represents. 

The erosion of community values

To esteemed the house DJ Honey Dijon, „[Electronic] music and the culture were safe havens for colored folk who were not welcomed in white gay and queer spaces. The music was about love, community, release, and sex and not getting fucked out of your mind [for] days on end,“ she wrote in one Instagram post. She goes on to discuss the very erosion of these values in the same caption. „To think that music that has gone on to change the world that was created by inner city black youth and queens with the most forward thinking ideas would be colonized into entertainment for the white middle class with agendas to push social media entertainers instead of artists…which it has become, it’s important for me to honor the real pioneers that have gone before.“

Honey Dijon speaks to the ravages of capitalism, or as the late radical feminist author bell hooks refers to as  ‚white supremacist capitalist patriarchy.‘ It’s a system predicated on the exploitation of women and people of colour and has a tendency to co-opt and swallow culture for its own gains. For the casual club patron, who bought their ticket to Four Tet or Richie Hawtin on DICE and hits Ibiza for their friend’s bachelor party, who may or may not try to get into Berghain using a TikTok tutorial, there is no incentive to understand the roots of electronic music. This isn’t their adopted lifestyle and where they vest their interests. They soak in a nightlife experience and go back to their own lives, and they are unfortunately permitted to do so, just like there are casual, „drive-thru“ participants to any form of culture. A customer can sit down and enjoy globally popularised soul food at a southern restaurant, even while harbouring racially ignorant views, without ever knowing the invisible forms of oppression that the ethnic cuisine represents. 

The early days of anti-fascist 90s raves are over – but there’s hope

Electronic music is mainstream and largely commercial, and as the years progress, this will become a growing, gargantuan industry with even more participants. It is irresponsible to default to calling this world ‚underground‘ or ’subculture‘ or ‚counterculture‘ anymore when it’s evident its working class foundations and resistance against class structures have long decayed. Case in point, there are some DJs commanding up to 10,000 dollars a set. Berlin’s tourists are spending upwards of $1.6 billion euros annually to thrill seek in its clubs. Last year, the French billionaire François-Henri Pinault’s investment holding company Group Artémis completed a landmark $7 billion acquisition of Creative Artists Agency, whose roster includes Dawn Richard, Amelie Lens and Eartheater. 

Specific underground enclaves may exist within this world, yes, but at this point, raving is not a secret, it’s not an alternative form of expression like it was in warehouses and basements in the 1980s anymore. This is the fact of the matter, and the faster the realisation that the early days of anti-fascist 90s raves are over, the more the communities impacted can prepare for implications of these changes.

It is not all Sturm und Drang, however. For every mega-club with its insensitive techno tourists and nightlife pedestrians looking for suggestions on Resident Advisor, there are also enduring pockets of very knowledgeable, dedicated cultural veterans who throw 200-capacity, no-profit parties for their queer compatriots. There are still young people, drawn in from a mega-festival EDM pipeline, who will fall in love with electronic music and all of its social-political convictions. There are still Palestine solidarity and queer health care fundraiser events with local DJs at the neighbourhood DIY venue. There are still boutique festivals that platform black electronic musicians. 

Togetherness and community

Club culture may be swept up into the swift winds of change and there are elements of its raw, unfettered, close-knit origins that will never be as they were. For the most part, electronic music is a sell out. It’s become a form of big ticket entertainment to command mass crowds. This is something to be mourned, but the enduring spirit of community organizing that finds itself in fringe basement venues and off-location raves, where the crowds truly reflect the diversity of the human experience, will never completely die. Yet these events are small drops in a roiling ocean. The key difference here is that these experiences often command slim-to-none profit margins because, unlike the Goliath industry that looms behind it, the intention behind the events is not to make money, it is about togetherness.